【精彩转贴】古琴音乐欣赏（上，中，下）

古琴, 音乐, 欣赏

古琴音乐欣赏上 2 u; D# @) D' E& a  F$ b; g. \
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by: [ 九霄环佩 ] 于:2008-03-22 21:41:52+ B5 r8 i5 u, }$ Q/ O
来自：西西河

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古琴的实物可能许多人并没有亲眼见过。下面这幅图显示了一张古琴的正背两面（上背下正）。一张古琴的构造基本分为两个部分：木制琴体和七根琴弦。琴体实际上是由两块木板（一个为面板，一个为底板）粘起来的，中间形成一个音箱。传统的面板是桐木，底板为梓木。现在用衫木的也比较多。这些木头最好是些老材，现在你去买古琴，好些的应该是用明清时期留下的木材做的。再看古琴的面板上有13个白点，那些东西叫“徽”，从右边数1徽到最左边的13徽。徽是对音起定位作用的。

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弹琴的时候右手的大指，食指，中指，或者无名指弹拨1徽右面的某一根弦（也有同时弹两根弦的，此略不谈）。如果左手不用的话，这样就是弹散弦，七根弦产生七个散弦音（或散音）。如果用左手某手指按住弦的特定徽位，那么即使一根弦也可以弹出很多音（理论上是无数个音），这些音叫按弦音（或按音）。另外还有一种特别的弹法，叫泛音，就是右手手指拨弦的一瞬间，左手手指在同一弦上轻轻点一下。泛音如冰雪一样晶莹，如浮云一样飘渺，所以又叫天音。散音空旷深厚，所以又叫地音。按音处于地音和天音之间，所以又叫人音。6 T. \% }" e/ `& J# q, d: y

如果右手弹拨一根弦后，原来是按住7徽位置的左手某手指向左滑行到8徽，就产生一种从某高音滑到一个低音的滑音效果，这有点象二胡和小提琴。但也有区别。当你拉小提琴的时候，左手在滑行的同时右手还在拉弓，所以声音是不减的。古琴不然，右手弹过以后，琴音的音量是在不断衰减的。所以听古琴需要非常专注才能听到一些在衰减状态中的音。这既是缺点，也是优点。以上是简单地介绍古琴的弹法，实际的指法要复杂得多，这里只是意思一下，我觉得核心的就是这些。如果你想象一下的话，应该同意弹古琴是比较困难的事情。" J  Z/ \9 O/ ^/ p

下面这幅图是琴曲“归去来辞”开头一段，一共三行，第一行是现代的简谱，第二行就是古代的琴谱，第三行是歌词，有些古琴曲是配有歌词可以唱的。你会发现琴谱确实象某种天书。琴谱又叫减字谱。里面的每个“字”都是由一些汉字的某些笔画组合而成的，表示某一个音在古琴上的具体弹法。比如此琴谱的第一个“字”上面一个“大”字和 “九”字，下面是一个“三点水”和包在“竖弯勾”里的“七”字。这个怪字表示什么意思呢？这里的“大”和“九”表示用左手的大指按住9徽位。那么到底按的是哪根弦呢？答案是第七弦，因为怪字里面那个“七”字。“竖弯勾”是“挑”字其中的一个笔画，表示右手食指从身体一侧朝前面挑拨某弦，这里是第七弦。“三点水”是“注”字的偏旁，表示在右指拨弦的同时左大指是从右边某位置滑到9徽位的，产生一个叫“注”的装饰音。

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我这里不是教你弹琴，只是示意一下古琴谱的大致面目。如果你对音乐有一定的理解，你可能会发现，传统的琴谱有个缺陷，就是虽然表示了怎样弹一个音，却没有表示这个音和下个音之间应该相隔多长时间，也就是节奏的问题。这个基本靠师傅传授，没有师傅传授的话，高手经过研究能够基本猜测出来。把这种没有师傅传授的古琴谱翻译成能够与演奏相对应的简谱或五线谱的过程叫“打谱”。
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好了，琴也介绍了，琴谱也见识了，下面谈谈琴曲。形容我国流传下来的琴曲，可以用这么一个词“浩瀚”！根据建国初期查阜西先生系统地整理出版的《存见古琴曲谱辑览》，我国现存现存三千多首古琴曲的曲谱。这其中有些作品是同一首曲子的不同版本，即使扣除这些因素，也还有六百多首完全不同的古琴曲。这个数目看似不太大，但是，这里面的几乎每一首曲子都是经典，都是宝贵的文化遗产。就现在来说，只有其中的数十首是当今的琴家能够演奏的。大多数曲子因为失传而没有人会弹了。但是不要紧，上面讲过，我们后人可以通过打谱把失传的曲子重新奏响。所以，古琴的减字谱虽然没有完整地记录音乐，但是起到了保留火种的作用。+ F. S* o( ^3 `. G

那么，这些古琴曲都是一些什么样的面目呢？在这里我无法作出一个全面的阐述，只能就当今能够演奏的曲子中间我听了有一定感悟的作品提供一些个人的想法。在评价音乐作品时，人们经常用的词汇无非是“旋律优美，动听，悦耳，形象”等等抽象的形容词。这些词几乎可以形容一切优秀的音乐作品。对于古琴，我们也可以赋予“动听，优美”之类的一般化文学修辞，但我总觉得并没有点出古琴音乐的根本特性。如果让我只用一句话来形容古琴音乐，我想我的看法是：古琴音乐是诗化的音乐，或者说，古琴音乐是音乐的诗。这个观点主要是为了突出古琴音乐的艺术本质在于诗！这是什么意思呢？我一向认为，诗是人类艺术中的艺术。一切的艺术，在发展到最高境界是都带有诗化的倾向。比如作为当代综合艺术的电影来说，优秀作品的一个溢美之辞就是“抒情诗”，“史诗”等等。诗化艺术的一个突出代表就是中国绘画。以唐代王维为祖师的中国文人画的核心在于“气韵生动”。“气韵”也好，“神韵”也好，“意境”也好，说的其实都是一个意思，那就是有灵性的诗，那么什么叫“灵性”，其实很简单，“灵性”可以说就是“人性”的一个发挥，引申，和提炼。西洋绘画自从在近代印象画派在东洋美术的影响下开创之后，其实也走上了相似的艺术追求道路。正所谓“琴棋书画”，中国古琴音乐艺术和绘画艺术的在艺术本质上的暗合，我想也不是什么令人惊讶的事情。下面我就举例来说说古琴音乐的诗境。

现代诗人和历史学家郭沫若说过这么一句话：“胡笳十八拍”是一首自屈原“离骚”以来最值得欣赏的长篇抒情诗。这句话其实就抒情诗来说点出了一个状元和一个榜眼。我也非常同意郭沫若的这一评价。我认为“离骚”是千古第一诗，“胡笳十八拍”是千古第二诗。这两首诗的特别除了它们的长度之外，更重要的在于它们都是作者以人生凝练而成，套用一个国画的术语，是诗人整个人生的“大写意”，不是那些偶尔蹦出的灵感可以比拟的。并非出于巧合，这两首长诗都被中国古人谱写成为古琴曲。古琴曲“离骚”是1967年去世的大音乐家管平湖先生打谱出来的。这位伟大的古琴演奏家对中国古琴音乐作出了卓越的贡献，我在下文还要继续提到他。以“胡笳十八拍”为主题的有琴曲“大胡笳”，“小胡笳”和琴歌“胡笳十八拍”。其中“大胡笳”流传更广泛一些。什么叫“琴歌”呢？琴歌实际是一种特殊的古代歌曲，原本是一边弹琴一边唱的歌曲。说到琴歌，我要提一个名叫王迪的女士，她是管平湖的学生，不幸也已经去世了，但她留下了许多动人的琴歌，比如 “胡笳十八拍”，“黄莺吟”，“黄鹤楼送孟浩然之广陵”等等。在这个网站（也许是她旅居加拿大的学生乔珊开办的）可以下载到管平湖师徒三代的音乐作品：链接出处
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除了上面两首特殊的长诗，我知道的以诗经为主题的琴曲有“伐檀”，“鹿鸣”，“雉朝飞”等等。琴曲“关山月”大概是源于木兰诗里的“万里赴戎机，关山度若飞；朔气传金柝，寒光照铁衣。”琴曲“关山月”和李白有同名诗是相配的，所以也是一个琴歌作品。琴曲“捣衣”也与李白诗《子夜秋歌》有着紧密的联系：“长安一片月，万户捣衣声。秋风吹不尽，总是玉关情。何日平胡虏，良人罢远征。”琴曲“阳关三叠”又名“渭城曲”，主题是王维的七言律诗《送元二使安西》，此曲也是曲与诗相配成琴歌的。琴曲“欸乃”主题取自柳宗元的七言诗《渔翁》里的“欸乃一声山水绿”，所以又名“山水绿”。琴曲“石上流泉”主题大概可以解释为王维《山居秋暝》中的“明月松间照，清泉石上流”。等等等等。

其它许多著名琴曲，虽然没有确切的古诗与之对应，但是这些音乐作品其中体现出来的深刻的人文情感是典型的诗化艺术，所以称之为音乐诗是一点都不过分的。比如“高山”表现的是具有灵性的“山高谷深”，这个作品不能单纯地理解为对自然的客观描述，艺术作品，注重的永远是心灵。琴曲“高山”我推荐已故琴家姚炳炎演奏的版本。“流水”是广泛熟悉的一首琴曲，按照我的理解，主题表现的是具有巨大“势能”的放旷自在逍遥天地的具有灵性的流水。“流水”的最佳版本首推管平湖，这首曲子他是得自张孔山的传授。
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“高山”“流水”是一对著名的琴曲，“阳春”“白雪”是另一对。“白雪”我还是推荐管平湖的版本。与雪有关的古诗太多了，意境各不相同。琴曲“白雪”的意境绝对不是杜甫“急雪舞回风”的那种狂乱，而是一种安详恬静的氛围。这些雪应该是垂直地坠落下来的，仿佛落在无人的世界，也许是夜里，积雪覆盖大地，无人践踏，纷繁芜杂的世界因为白雪的覆盖而变得单纯简单。所以，当你一听到这个曲子奏响时，烦躁的心态也许会立刻平静下来。这是我对“白雪”比较个人的理解。 “阳春”我听过吴兆基和吴景略的演奏。吴兆基的慢一点，恬淡一点。吴景略的快一点，亮丽一点。这两个版本我都没有能够真正领悟，也许“阳春”对于我来说还是太“阳春”了吧,也许还是听的不够多。
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古琴曲里有一些曲子是比较宏大的，我喜欢把它们称作瑰丽恢宏的抒情诗。比如上面提到的“大胡笳”，管平湖演奏版12分钟。比如“欸乃”，管平湖演奏版12分半。比如“离骚”，“潇湘水云”，和“幽兰”，管平湖演奏版都是 10分半，也算比较长的。成公亮打谱的“文王操”10分钟，“普庵咒”16分半，当然“普庵咒”也有短一点的版本。金庸看来也听过“普庵咒”，这是一个目的是让你心平气和的带有佛教风格的曲子，所以在笑傲江湖里令狐冲听睡着了，任盈盈说对他疗伤有好处。“潇湘水云”虽然是以“水云之貌”为题，但谱于南宋时期的这首曲子有陆游和辛弃疾之风骨。“文王操”表现了作者心中周文王的伟大形象，那是一种理想世界中的“仁爱”。“幽兰”是很古的曲子，很复杂抽象，并不好理解，古人说主题是“空谷生幽兰，无人自芬芳”，用现代话来说，我的感受是此曲表现了“寂寞中的独舞”和“深沉而不可遏抑的美感”。艺术的根本既不应该是为政治服务，也不是为了取得经济利益，而在于创造和展现“美”。
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最长的琴曲恐怕要算管平湖打谱演奏的“广陵散”和“秋鸿”，一个22分钟，一个24分钟，真可谓鸿篇巨制了。根据《五知斋琴谱》，这样的巨制还有“洞天春晓”，“箕山秋月”，“羽化登仙”。这三首我都没听过，大概现在还没有人会弹吧。据说“岳阳三醉”是“羽化登仙”的删节本，那我倒是听过的，是很动听的曲子。你也许会说，长度能说明什么问题？一般来讲，古人谱曲，长必有它长的道理。这大概可以从格局的大小来解释。从我听过的这些大曲来说，我从来没有失望过。“广陵散”如此著名，恐怕要感谢金庸。此曲的杀伐气让某些琴家不喜，我却认为凡表现人类心灵的艺术都是美妙的，况且“广陵散”从音乐上来说其实是很优美的。一个有趣的问题是比较“广陵散”杀伐和琵琶武曲“十面埋伏”的杀伐。这是我提出的问题，我提出的答案是“十面埋伏”的杀伐是事件的杀伐和形式的杀伐，而“广陵散”的杀伐是心灵和灵魂的杀伐！再来说“秋鸿”，此曲让我觉得匪夷所思，不得不对古人的伟大的艺术创造力叹为观止，我只好“无语”了。我非常希望有天才般的音乐家将“秋鸿”改编成交响乐或者钢琴协奏曲，这是将中国古典音乐广泛传播的有效方式。

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本主题由马头磬于 30-5-2008 01:54 加入精华

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欲求千里脚，先采眼中光。
Lass mich sterben!

一年老一年，一日没一日，一秋又一秋，一辈催一辈，一聚一离别，一喜一伤悲。一榻一身卧，一生一梦里。寻一夥相识，他一会咱一会，都一般相知，吹一回，唱一回。

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马头磬发表于 30-5-2008 01:51 | 只看该作者

古琴音乐欣赏（中）

[ 九霄环佩 ] 于:2008-03-29 22:25:088 ^2 U" m* @6 U  f6 r
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前面主要是着重点出古琴音乐的根本趣味在于有灵性的诗，这是从音乐的抒情性和思想性来看待琴曲的。音乐除了抒情性和思想性，她还具有舞蹈性，状物性，和叙事性——这些都是她的主观属性。所谓主观属性就是人听了音乐之后产生的心理感受。音乐的主观属性还可以分两大类：形象的和抽象的。一般来讲，说音乐有舞蹈性和抒情性大家都会同意，但说音乐有状物性，叙事性，和思想性，估计很多人要皱一皱眉头了。其实音乐在很大程度上和绘画以及作文是相同的。绘画具有状物性这没有问题，国画里面山水人物，花鸟虫鱼都是状物的对象。也有些画作是叙事体，描述一个事件，或者是通过一组画面细致地描述一个或一系列事件。国画的意境里面，渗透着作者诗心。写文章就更明显了，都有叙事，状物，抒情和表达思想的性质。甚至，有些绘画和文章也能让人体会到某种节奏感。当一个曲子，能够让你非常迅速感觉到以上一种或多种性质时，那么这个作品对你来说就是形象的；相反，有些曲子不能非常迅速让你感到这些特征，那么这个作品对你来说就是抽象的。

很多人认为琴曲很闷，这话不能说不对，恐怕也不能说完全对。要展开谈需要很多字，首先从琴曲的舞蹈性谈起吧。如果一个乐曲让你产生一种舞蹈感，我想这大概就可以活跃气氛而不感到“闷”了。其实有很多琴曲是有舞蹈感的。比如小曲“酒狂”和“忘忧”，这是琴曲里面活泼欢快的两个典型。“酒狂”姚炳炎打谱的版本目前影响最大，此曲一般来讲是酒后醉态，这个“醉态”是很形象的。在我眼里，此曲可以看作是酒后舞曲，或者说是轻度的狂欢曲。成公亮打谱的“忘忧”也是具有欢快的舞蹈感，你可以到成公亮的个人网站上下载他演奏此曲的视频，然后注意他手指的运动。此曲的音乐配合他的手指舞蹈化的跳跃和滑动是一种难得的艺术享受。: [8 }; M2 H0 E7 ?( a. S: P

稍大一点的曲子里面，“梧叶舞秋风”和“沧海龙吟”也具有特别的舞蹈感。“梧叶舞秋风”主要有两个版本，一个是刘少椿的，一个是吴景略的。刘少椿的风格是拙和正。这里说拙不是说他手笨，而其实是一个特别的称赞。刘少椿有一句话是“半部平沙走天下”，还说过弹曲子熟练了以后还要把她当作陌生的曲子来弹。所以刘少椿的美学主张是下每一个指都要很“正”，以至于让人觉得“拙”——一种古拙，绝对不能“油”。吴景略是原来是弹琵琶的，手快，他弹的每一首曲子都要比别人更快一点，但他的快是有美感的快，别人很难模仿得来。这个“梧叶舞秋风”把这两人的版本结合对比来听是非常有趣味的。& W* y+ G4 |1 H
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每一种乐器都有一些曲子是属于炫技型，在一定程度上能够突出表现这种乐器的能耐。能够称得上炫技型的琴曲其实有很多，我个人觉得“沧海龙吟”就是一个代表。为什么说是炫技，因为别的乐器演奏同一首曲子绝对玩不出古琴特有的风格。“沧海龙吟”里面的龙吟意象是通过古琴特有的吟猱技法来表现的。有趣的是，这样的龙吟仿佛可以配以某种舞蹈。这里所谓的舞蹈是意向性的，不一定能和现实存在的某种特定的舞蹈取得直接联系。（我曾经以身试法，妄图随着“沧海龙吟” “翩翩起舞”，但是形象比较古怪，遭到无情的讥笑:-))。而最合适的配乐舞蹈就是我前面提到的琴师抚琴的手指的舞蹈！这种舞蹈性较强的琴曲如果能得到相关的视频，一定不要错过！“沧海龙吟”似乎流行的主要是乐瑛的演绎。乐瑛是一位难得的取得很大成就的女琴家，她在演奏方面吟猱的功夫独到。除了“沧海龙吟”，她的另一部代表作是“列子御风”，此曲在风格上与“沧海龙吟”相似，都是传承于庄子的绚丽的浪漫主义。
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具有状物性的琴曲是很多的。琴曲的状物和国画的状物在艺术的本质上有强烈的相通之处。大家都知道，中国绘画在早远的古代就开始把山水花鸟等自然物作为艺术创作的对象。这看似普通甚至当然，但实际上并非如此，我们从文化比较的角度可以发现中国艺术的可贵之处。在西方的美术史中把自然物作为主要的艺术对象还是印象派在东洋美术的影响下产生之后的事情。在这一点上，中国艺术显得更加早熟一些，这似乎和中国自先秦以来的天人合一的哲学思想有直接的因果联系。在画家们描绘山水花鸟的时候，琴家们也把情怀寄托在这些外在的自然对象上面。山水方面我们不但有“高山”，“流水”，还有“石上流泉”和“碧涧流泉”等等。花鸟方面我们有“幽兰”，“梅花三弄”，“孤竹君”，“平沙落雁”，“秋鸿”，“鸥鹭忘机”等等，泛泛的自然界方面我们还有“阳春”，“白雪”，“春晓吟”， “风雷引”等等。5 L7 {8 @& ?: I! g2 w( K) Y! |% o

在谈论琴曲的状物性的时候一个有趣的话题是分析它们的形象性和抽象性。有些琴曲，只要给你一个标题，音乐形象是非常直观的。比如“流水”，子期在不知道乐曲标题的情况下就能听出艺术对象，这一方面是因为子期具有深厚的艺术修养，另一方面也是因为“流水”一曲形象突出所致。我个人以为“梅花三弄”，“平沙落雁”，，“鸥鹭忘机”，“白雪”，“春晓吟”，“风雷引”等作品都是很形象的。比如“鸥鹭忘机”优美和缓的旋律让人很容易联想到鸥鹭这种鸟类的优美蹁跹的姿态。0 ]2 P1 r/ D) V; e; u

关于琴曲的形象性，我有两个观点，一是虽然形象的音乐很容易为听众所接受，但是过分的模仿只会落入“形似”的窘境。比如有个曲子叫“百鸟朝凤”里面模仿许多逼真的鸟叫声，这种音乐也能调动一下气氛，但除此之外，其艺术价值在我看来有限的很，原因是过于直露了。我还看见过一个用玉石雕刻成的大青菜，非常象，但在我看来也就是“象”而已，没有什么看头。我上面说的形象的琴曲其实也是很含蓄内敛的。比如“风雷引”这样的曲子就没有可以刻意营造震天之雷和咆哮之风的形象，也还是点到为止。

关于琴曲的形象性，我个人的另外一个观点是对于不同的听众，所谓形象与否以及形象的程度是相对的；并且，对于相同的听者来说，不同的曲子形象程度不同。比如“白雪”，我觉得形象，你可能觉得抽象。比如“阳春”，我觉得抽象，可能也有人觉得形象。琴曲里面的某些曲子恐怕要比另一些更抽象一些。比如“高山”比 “流水”抽象，“阳春”比“白雪”和“春晓吟”抽象，“幽兰”和“孤竹君”比“梅花三弄”抽象，“秋鸿”比“平沙落雁”和“鸥鹭忘机”抽象。真正是不比不知道，一比吓一跳。同样的题材，“阳春”和“春晓吟”让人的接受程度简直差异太大了。当我在琴弦上不论快慢弹出“春晓吟”头一两个乐句时，春天的温暖和熙扑面而来。在我看来“春晓吟”是造诣极高的曲子，《二香琴谱》认为它“和平、中正、大方”，为诸曲之冠，看来并非虚词。名声极大的“阳春”反而让人摸不着头脑。这个问题可能有多个原因：有可能是我鉴赏能力还欠缺，有可能是因为“阳春”比“春晓吟”古老得多，也有可能演奏“阳春”的琴家并没有真正把握好这首曲子。我想首先还是我个人的水平问题吧。
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从全世界的音乐范围来讲，确切地标为叙事曲的，有，但不多；另外一方面，很多乐曲并非叫作“某叙事曲”，但是具有一定的叙事性甚至戏剧性，比如“嘎达梅林”和“梁祝”。琴曲里面也有些曲子具有一定的叙事性，有些通过加小标题来提示听众和演奏者。比如描写兵围垓下的项羽面临四面楚歌绝境的“楚歌”有以下小标题：忆别江东、气欲吞秦、夜闻铁笛、八千兵散、英雄气消、泣别虞姬、阴陵失道、乌江不渡。再比如“广陵散”的若干小标题包括：止息、井里、申诚、顺物、因时、干时、取韩、呼幽、亡身、作气、含志、沉思、返魂、徇物、冲冠、长虹、寒风、发怒、烈妇、收义、扬名、含光、沉名、投剑、峻迹、守志、归政、誓毕、终思、同志、用事、辞乡、气冲、微行、意绝、悲志、叹息、长吁、伤感、恨愤、亡计、会止息意等。“樵歌”这个曲子我现在领悟还不深，就算是瞎说吧，我觉得其中至少有两个事件的意象，一个是用斧子伐木，一个是担柴下山。前者有“叮叮”之声，后者的意象看过农民挑担子的会比较容易体会得到，其中有一种伴随着脚步的有节奏的介于喘息和号子之间的声音，这是挑担子的自然而然发出的劳动的声音，我认为是美好的，在 “樵歌”被作曲者加工而变得含蓄深沉。
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就象前面已经提到的，当我说琴曲的根本美感在于有灵性的诗，这是强调古琴音乐的抒情性和思想性，在这里我想再针对这个话题做一个发挥。那么什么叫作抒情性，什么又叫作思想性？这些抽象的概念其实有仔细分析的必要。“抒情”抒的是感情吗？音乐当然是可以抒发感情的。通常来讲，感情一般是指人的喜怒哀乐爱恨思念埋怨等等。如果从这个意义上来理解“情”，那么用“抒情”来描述琴曲就有点不合适了，因为很多琴曲取中正平和之道，并不能很恰当地套用“感情”这个词，相反，有些琴曲的审美观是背离通常说的“感情”的。所以我个人觉得琴曲的抒情更确切的说是抒发“情怀”。“情怀”这个词包含的范围比“感情”广泛得多。不管什么琴曲，我们都可以说她抒发了某种“情怀”。比如“高山”抒发了什么“感情”？更确切地而是抒发了一种“高大雄伟”与“虚怀若谷”的“情怀”。再比如“列子御风”又是抒发什么“感情”？依然是“神通广大的逍遥”这样一种“情怀”。所以，我们在欣赏琴曲的时候不一定要去寻找什么“感情”来抒发，而应该尽量往某种“情怀”上靠拢。当然“情怀”也包含一些“感情”，“忆故人”主要就是思念之情，“凤求凰”就是爱情，“长门怨”就是幽怨，等等。值得注意的是，琴曲里的感情都是很克制的，就象我在前面谈及琴曲状物的含蓄性一样。比如“长门怨”固然有幽怨的意境，但这种克制状态的幽怨听起来甚至让人有点娇俏的错觉。琴曲在表达感情的时候，与其说她是试图把她的感情传染给你，让她的悲喜影响到你，不如说她想把一种美感展现在你眼前。所以，听琴的一个要点在于 “审美”，而不是被“感情左右”。有些别的类型的音乐，听过以后你会觉得头脑昏昏的，那一般是因为神经刺激过度的表现，这是和古琴的美学趣味相左的。
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那么什么叫“思想性”呢？琴曲是音乐，音乐是艺术。所谓艺术的思想性是一个很大的话题。大概每个人都有自己的一套说法吧。这里我就古琴音乐的话题说说的自己的观点。首先，我觉得某些琴曲确实有一定的思想内容在里面，有的还带有一定的哲理。比如“鸥鹭忘机”里面优美而天真的旋律昭示着人与鸟类之间亲密无猜的意境，这里就有思想了，这不就是人与自然的和谐吗？这是道家的思想范畴。“文王操”我的理解，核心就是一个“仁”字，这是儒家的思想范畴。佛家的也有， “普庵咒” 就是一个例子，心情烦躁的时候，听听“普庵咒”可以放宽心胸。除了主流的儒释道，琴曲的海洋里还有墨子的身影，比如“墨子悲丝”，讲的是墨子感叹人在社会中受到污染，如同丝本洁却被染色。关于“思想性”的问题，我的另一个观点是琴曲的思想性和抒情性有着紧密的联系。也许可以这么说，所谓音乐艺术中的“思想”其实是一种极端深刻、被升华了的“情怀”。也就是说，当被抒发的“情怀”能够脱离个人而上升到整个人类的时候，“思想”就诞生了。

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马头磬发表于 30-5-2008 01:53 | 只看该作者

古琴音乐欣赏（下）

[ 九霄环佩 ] 于:2008-03-29 22:28:18

以上逐条讨论了古琴音乐在审美过程中产生的主观属性，即舞蹈性，状物性，叙事性，抒情性，和思想性。当你听一首乐曲有以上一种或多种主观印象时，那么你就是在知觉层面进行音乐审美。如果你只是觉得好听而说不出到底怎样好听，那么你就是在感觉层面进行音乐审美。谈到这里，一个顺势引出的问题就是，听众如何才能在音乐欣赏当中获得知觉上的审美印象呢。

所谓音乐欣赏，或者说音乐审美，实际就是由音乐这个声音序列首先经过人的听觉系统，然后引发的一系列心理现象。比如，当我们置身松林时，经常能听到风过松林的特殊声响，大多数人会觉得这是一种和谐宜人的声响，这是在感觉层面；如果我们由此意识到风过松林的声音和波涛的声音给我们相似的印象时，我们就进入知觉层面的审美，在这个例子中，我们进一步把风过松林的声音叫作“松涛”！7 ?1 F7 `3 E, c0 E) |. f

本文的上部和中部谈的都是审美的结果，现在就要开始谈谈审美的过程。打个比方，前面相当于厨师把烧好的菜端上桌，下面是厨师教你怎么烧菜。厨师烹饪的第一步自然是处理原料，他必须对原料（蔬菜，肉类，佐料等）的各种性质有所了解，同样地，我们听音乐，也需要了解音乐的一些基本性质——那些不管是否被我们听到而音乐本身固有的属性，即客观属性。按照我的理解，古琴音乐可以分为下面几个客观属性：音色，节奏，旋律，调式，和结构（曲式）。其它音乐也大体如此，但这里我们只谈古琴。

古琴的音色可以和钢琴做一个对比。钢琴的音色就象是只有一个色调的明暗变化。以红色调为例，钢琴的最高音就象极浅的红，那就是白色。钢琴的最低音就象极深的红，那就是黑色。中间的键音就是从黑到老红到正红到浅红再到白的谱系。从这个比喻我们可以看出钢琴的基本音色是很单调的。当然了，钢琴还可以通过和声来丰富音色，但那也还是在同一个色调上做文章。这似乎是钢琴音色的缺点，但是辩证地说，缺点也是优点，因为钢琴可以把这个单色调制作得完美无缺——世间的事情经常都是这样。8 I2 S) q8 H. M. Y
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古琴恰好是钢琴的另一面：她太丰富多彩了。前面我提到过古琴大致有三种音：丰厚宽广的散音，晶莹缥缈的泛音，和富于感情的按音。除此之外，各种各样的指法进一步拓宽了古琴音色。首当其冲的就是左手的“吟猱绰注”和“上行下行退复立撞”等等，赋予琴音丰富的感情色彩，此外还有“滚拂”、“轮指”、“打圆”、 “长短锁”、发出和弦音的“撮”等富有个性的右手指法，即便是同一个高度的音，在古琴上可以有多种方式弹拨出来。比如我们可以按住不同弦的不同位置来弹出相同的音高，这时候虽然音高相同，但音色有差异。更微妙的，即使当你用手指甲弹拨同一根弦的时候，从内往外拨和从外往内拨也有音色上的差异，但这些过于微妙的东西听众不一定需要听出区别来。  k# u5 M6 B: \$ K0 S

古琴的音色丰富多彩是一方面，另一方面的特性是琴音自弹拨的一瞬间达到音量的最高值以后时刻在衰减。音量的衰减和音色的丰富是对立的，因为再美妙的声音，听不清楚那有什么用呢。所以，听琴曲的时候一定要很专注地听才能体会到其中的微妙之处。我这里说的微妙不只是一些装饰音，连许多构成旋律主干的滑音都经常是衰减到不易辨别的。如果三心二意地听古琴，大概只能听到一些莫名其妙的“当当”声了。$ w6 c0 D4 _0 v& V4 N* Y, F

任何音乐都是有节奏的，琴曲也不例外，但是，许多琴曲的节奏并非那么明显。关于琴曲的节奏，目前我的认识很不够深，不过可以简单说说我的体会。首先，因为琴谱不传节奏，而节奏要么是靠师傅口传心授，要么是靠自己打谱，这个历史传统造成各人演奏的同一首琴曲可能表现出不同的节奏特性。其次，我发现有的琴家对节奏更重视一些，特别是在音乐学院里培养过的琴家，当然，老一辈的琴家也有具有严格节奏意识的。再次，我们一般所说的节奏是在西洋音乐的理论框架下定义的。简单地说，西洋乐理中，一个曲子分为许多小节，每个小节持续的时间相同，其中有重拍有弱拍，而且通常每小节的第一个音为重拍。这样严格的音乐行进规律自然产生了鲜明的节奏感。古琴没有这样的节拍概念，相对应的是所谓“句读（音逗）”的概念，从这一方面也可以看出中国古代作曲和作文的相似性。所以，当你听一个琴曲时如果对辨别节拍有一定困难，不妨从“句读”的角度去体会节奏。在这种情况下，听琴曲就类似于听演讲，你都是一句一句地接受和理解音频信息的。
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关于旋律，需要衔接上面古琴音量衰减的话题，因为这个衰减导致辨认琴曲旋律的困难。如果一张古琴制作优良，那么这个衰减可能不是特别严重，同时如果琴曲旋律清晰形象、琴师演奏高超、而且录音质量良好的话，琴曲的旋律也并非不可捉摸。否则，有可能即使非常专注地倾听，对于初步接触古琴的爱好者来说也未必能够真正辨认出旋律。那么除了更专注地倾听，有没有什么弥补的办法呢？我这里提一条建议供大家参考。如果一个琴曲被改编成其它器乐并且能够基本保持原来的音乐特性，那么这个改编的器乐是非常值得参考的。比如，张维良曾经把“平沙落雁”和“秋江夜泊”改编成洞箫曲，而洞箫声音是很健壮的，不存在什么衰减问题，所以洞箫能够非常鲜明地表现乐曲旋律。如果你本来听“平沙落雁”和“秋江夜泊”的古琴演绎还有点疙疙瘩瘩甚至莫名其妙的感觉，那么听了张维良的洞箫之后，回过头来再听古琴恐怕就豁然开朗了。再比如成公亮的“文王操”被他同时谱成管弦乐作为一个纪录片（记不清是否标题就是“孔子”）的主题曲，这个版本成公亮的个人网站上也有，对于充分理解古琴演奏的“文王操”也是大有帮助的。

调式又是什么概念呢？这个概念中国和西方都有。调式的概念我从前不理解，现在想来也是当然而然的。乐曲需要调式的原理大概可以套用演讲。由于每个人的嗓门不同以及演讲的受众和话题不同，演讲的“调门”也会不同。有的“调门”高一点，有的语气激越一点，有的“调门”低一点，有的语气委婉一点。

从作曲的角度看，“调式”这个概念里最重要的就是“主音”。“主音”就是一首乐曲里的最稳定音，也就是通常所说的七声音阶的第一个音。主音有多高决定了 “调式”里的调号。在你听乐曲的时候，你能体会到非主音有向主音靠拢的倾向，也能察觉主音在乐曲中反复地在重要位置出现，比如绝大多数乐曲都是结束在主音或主和弦上。主音高低可以用一个物理参数来表达，但音乐界通行的是用一个字母系列来表示，比如你看到“1＝C"意思就是主音“1（唱哆）”为用“C”这个字母表示的音（说开来要论及钢琴键盘，不扯远了）。
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西洋乐调式理论里还有大调和小调的概念，大调就是以“1（哆）”为主音来展开音阶，小调就是以“6（啦）”为主音展开音阶。非正式地说，主音相当于演讲的整体调门（是高调还是低调，现在流行要低调:-)），大调相当于激越的演讲，小调相当于委婉的演讲。
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古琴曲（除了“幽兰”）一般都是用五声音阶来作曲，也有调号，记号用的是“宫商角徵羽”那一套体系。琴曲都是有调式的，但听不出来也没有关系，要是能听出主音那就更好。另外，某些琴曲是会变调的，但听不出来也关系不大。但是，要想在音乐欣赏上更进一步，调式这个东西早晚是要触及的。总的来讲，古琴低调，委婉，平和。
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最后说说曲式。曲式就是音乐的结构。文学界有个俗话说“三流读者看故事，二流读者看人物，一流读者看结构。”音乐欣赏也是有类似的观念。对艺术作品结构的把握需要审美者具有较高的艺术素养和欣赏能力，从而能够对艺术作品进行全局性的分析和综合。在我们进行中西音乐比较的时候，我们会发现中西作曲家都注重结构，但侧重点不同。- f! M* h% d; n, ~, z! A5 p4 [8 }9 c. f
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古典的西洋音乐让人感觉他们对结构本身具有狂热。换句话说，他们的审美取向一定程度上着力于形式，而作曲通常是由一个“动机”触发，在套用一个形式的过程中展开。这个作曲的形式起到模板的作用，决定了乐曲的结构，在西洋乐理上被名为“曲式”，类似与八股文的结构规范一样。西洋音乐重视曲式的原因是为了调动和运用有效的方法来加深听众对乐曲的印象！有两个主要办法：一个叫对比，一个叫有变奏的重复（单纯重复是枯燥的）。把对比和重复结合在一起就诞生了西洋音乐的一个典型曲式：奏鸣曲式！奏鸣曲式由三部分组成：呈示部、发展部和再现部。呈示部里有一个主题和一个副主题，设置两个主题的目的在于对比。发展部是呈示部两个主题的发展或新主题，相当于把一个话题扯远。再现部是针对呈示部中两个主题的有变化的重复，把扯远的话题再拉回来。奏鸣曲式运用广泛，比如古典交响曲的第一乐章通常采用奏鸣曲式。6 ?, S/ {2 D* }; M3 |
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中国古典音乐，就古琴来说，结构固然重要，但作曲家采用什么结构完全是服务于内容的需要。并没有什么在音乐界取得共识的某种曲式被广泛效仿。尽管八股文这种结构套路在科举考试中占据统治地位，音乐创作中的结构却自由得多。首先在段落的数量上面没有限制，完全根据内容的需要。段落之间的变化关系也是因曲而异，当然在原理上也是对比，变奏这一类的办法在引导乐曲的行进。
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西洋音乐对曲式规定得很严格，比如奏鸣曲式就该三个部分，呈示部分就该是由主题段落，连接段落，副题段落，和结束段落构成。而主题和副题就得是产生对比关系的。除了有限的灵活性，既然是奏鸣曲式，那么就该按照这个办法来作曲。西方人过去不搞什么“平沙落雁”或是“梅花三弄”，他们创作的对象是奏鸣曲，协奏曲，交响曲，标题也是按照类型加号码来办，没有诗，没有文学背景，没有哲人语录等等意境上的东西。后来他们也发展了，也有了交响诗这样诗化的道路。9 P  Y; x6 K, ^5 @3 v4 ]1 D% F% }

主观属性也好，客观属性也好，听众对音乐的审美的落实到底还是归结于“听”！听得多了，自然就有感觉了，感觉常常连锁地产生知觉。古琴音乐的一个特点在于不怕你多听，就怕你不听。这不象流行音乐，我的感觉听个两三遍就不行了，厌烦！这还算好的，有的简直不能听，听着起鸡皮疙瘩的时候是内在的生理系统提示 “此音勿听”！琴曲为什么耐听，除了作品本身的高雅之外，我前面提到的古琴音量上的衰减性也有重要作用。这种衰减就象国画的留白，让你在审美的过程中自我意识保留一份自由，而音乐中的微妙让你每次都能产生新的感受。- x2 p! ~- l1 @$ ]& R' Z

除了多听，专注地听，其实也还有一些手段可以对古琴音乐欣赏起到辅助作用。我在前面鼓励大家尽可能观看视频，重点关注琴师手指的运动。如果你有机会现场聆听琴师的演奏，一定不要错过。你坐在琴师身边听琴和你听录音那个区别太大了。大型音乐会坐的老远地听扩音喇叭和听录音没有什么区别，所以古琴音乐会意思不大。古琴自古以来就是弹给自己听或者几个朋友聚会的时候玩一玩的。除了看视频，听现场，我在前面还提到借助聆听其它器乐的改编来启发对琴曲的理解。此外，我能想到的就是音乐之外的功夫了。! o. K! d, i+ B  E6 \1 D* g: @7 Z. I+ V
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不是有句话叫“作诗功夫在诗外”吗。不管是作曲还是欣赏，我觉得对待音乐也有类似的道理。其它艺术也是一样。司马迁饱览九州山水文章得以雄浑俊秀。齐白石五进五出以造化为师，终于自成一派。音乐之外的功夫，我认为重要的就是造化，文章，和绘画。造化就是自然山水，有机会多出去走走。如果到一出地方，急匆匆地就为了照个相，那可就浪费了。中国的旅游胜地虽然人多了点，但是我们可以把注意力放在山水造化本身，仔细品位其中的美妙，不光是把美景照进相机里，更重要的是存在自己的脑海里，有空的时候调出来回味反刍。文章绘画里面的道理和音乐都有极大的共通之处，介绍中国古典音乐欣赏类的书籍很少，但是古文鉴赏，诗词鉴赏，还有国画鉴赏之类的书籍可就丰富了。

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